Offre annuelle

Chaque année le CESMD propose une offre de formations à destination des musiciens professionnels et des professeurs de musique des conservatoires et des écoles de musique.
Découvrez dès maintenant ci-dessous les stages proposés en 2017/2018.
Le bulletin d'inscription et la brochure complète peuvent être téléchargés dans la colonne de droite. 

MuseScore© Au service de la formation et de la pratique musicale

MuseScore© ouvre des voies pédagogiques innovantes en renouvelant les rapports élève/musique/professeur. Que ce soit en cours individuel ou collectif, à la maison ou en répétition, c’est un outil pédagogique essentiel pour l’enseignant et l’élève, permettant une manipulation aisée de la notation musicale. Plus encore, MuseScore© rime avec partition, partition augmentée, fiches de cours, fichiers sonores à écouter, analyser, accompagner...

Une fois le logiciel maitrisé, des exemples concrets de situations pédagogiques courantes seront donnés afin de l’utiliser facilement.

Public : Enseignants en musique et musiciens
Date/lieu : 23 novembre 2017 à Poitiers
Date limite d’inscription : 12 octobre 2017
Coût pédagogique : 140 € Effectif : Entre 5 et 9 

 

Acousmographe Audacity / MuseScore© 3 outils numériques pour de nouvelles pratiques pédagogiques

"Un bon croquis vaut mieux qu’un long discours"  C’est de cela dont il s’agit : visualiser le son et enrichir votre transmission de la musique ! En effet, combien de superlatifs et d’explications sont nécessaires pour décrire un phénomène sonore attendu ou à analyser ? Grâce à Audacity et à l’Acousmographe, une attaque, un son filé, un crescendo ou même une symphonie entière se dessinent sous vos yeux, vous ouvrant ainsi des champs d’actions pédagogiques jusque-là inexplorés ! Parce-que chacun d’entre nous a son propre mode d’apprentissage, utiliser ces outils numériques simples permet enfin de susciter pleinement le potentiel de chaque apprenant grâce à une approche renouvelée de l’oralité. L’écrit n’est pas en reste avec MuseScore© qui rend interactif le rapport à la notation musicale !

Intervenant : Professeur de formation musicale et de musique électroacoustique au CRC de Saint-Palais-sur-Mer, Sylvain KUNTZMANN utilise depuis 20 ans les outils technologiques dans ses activités musicales et MuseScore© depuis 2008. Il anime des formations, stages et ateliers consacrés à ce logiciel et signe la traduction française du livre « Maîtriser MuseScore© » de Marc Sabatella, publié par MuseScore© Publishing BVBA.

Public : Musicien, enseignant en musique, intervenant en milieu scolaire, chef de chœur ou d’orchestre, professeurs de formation musicale
Date/lieu : 24 novembre 2017 à Poitiers
Date limite d’inscription : 13 octobre 2017
Coût pédagogique : 140 € Effectif : Entre 5 et 9 

Édition musicale informatique : logiciel Finale 2014©

Initiation

Le logiciel sera abordé dans sa globalité afin que chacun puisse acquérir les outils nécessaires à la réalisation de partitions instrumentales ou vocales simples.

Public : Enseignants en musique et musiciens
Dates/lieu : 15 et 16 janvier 2018 à Poitiers
Date limite d’inscription : 14 décembre 2017
Coût pédagogique : 280 € Effectif : Entre 5 et 10

Perfectionnement

L’approche personnalisée proposera à chacun d’obtenir les réponses à des besoins spécifiques, ceci en abordant des fonctionnalités avancées du logiciel Finale©.

Public : Enseignants en musique et musiciens ayant une pratique régulière de Finale© (un questionnaire permettra de préciser en amont les connaissances et demandes spécifiques)
Dates/lieu : 22 et 23 janvier 2018 à Poitiers
Date limite d’inscription : 14 décembre 2017
Coût pédagogique : 280 € Effectif : Entre 5 et 10

Intervenant : Sébastien JEAN est musicien et enseigne la guitare à l’école de musique de Migné-Auxances. Il intervient comme formateur en informatique musicale/électroacoustique au CESMD de Poitou-Charentes. Il a collaboré à plusieurs projets d’édition musicale et s’intéresse notamment à la transcription des musiques traditionnelles et improvisées. 

De la prise de son à la réalisation d'un CD

Initiation

Comprendre et réaliser les différentes étapes qui permettent de transférer un moment musical sur support CD audio. Pro Tools© sera le logiciel audionumérique utilisé lors de ce stage

Public : Enseignants en musique et musiciens
Dates/lieu : 12 et 13 février 2018 à Poitiers
Date limite d’inscription : 12 janvier 2018
Coût pédagogique : 280 € Effectif : Entre 10 et 30

Perfectionnement

Rappels théoriques, pratique de mixage sur un enregistrement déjà réalisé en studio, enregistrement multipiste, travail de mixage et utilisation avancée de Pro Tools© permettront à chacun d’acquérir des outils pour la réalisation d’un enregistrement de qualité.

Public : Musiciens et enseignants en musique ayant suivi le niveau initiation ou une pratique régulière du logiciel Pro Tools©
Dates/lieu : 12 et 13 mars 2018 à Poitiers
Date limite d’inscription : 12 février 2018
Coût pédagogique : 280 € Effectif : Entre 5 et 10

Intervenant : Laurent BARATON est ingénieur du son et intervient sur des projets d’enregistrement de CD, de documentaires de création et des formations. 

Les "Circle songs" pour la formation musicale initiale

Les « cercle-chansons » sont des modes de chants collectifs millénaires dans les cultures de transmission orale, aujourd’hui mis à l’honneur par Bobby McFerrin. Ces chants se construisent par le « montage en direct » : apprentissage oral, harmonisation spontanée, accumulation et orchestration de micro-motifs pour préparer l’improvisation. Minimalisme, répétition, percussions vocales et corporelles, onomatopées, langages imaginaires et improvisation sont autant de possibilités qui seront exploitées.

Il s’agira de découvrir en quoi cette pratique vocale collective est un trésor pour l’apprentissage et l’intégration sensorielle des principes rythmique, harmonique et mélodique du langage musical tonal et modal. Ces richesses musicales et pédagogiques seront transposées et adaptées à l’éducation musicale initiale.

Intervenant : Manuel COLEY est chef de chœur et compositeur. De 1998 à 2004, il a enseigné la direction de chœur à la faculté de musicologie, au CESMD de Poitou-Charentes et au CFMI de Poitiers. En 2004, il initie puis dirige le projet « Voie d’Enfance » de l’Abbaye aux Dames de Saintes (développement des pratiques vocales collectives des enfants, répertoire choral, recherche expérimentale sur l’enseignement de la formation musicale initiale).

Public : Enseignants en formation musicale, chant choral, intervenants en milieu scolaire et péri-scolaire
Dates/lieu : 5 et 6 février 2018 à Poitiers
Date limite d’inscription : 21 décembre 2017
Coût pédagogique : 280 € Effectif : Entre 7 et 15

Stage coréalisé avec l’Institut Français d’Art Choral (IFAC) 

Le geste du chef - direction d'ensemble et approches corporelles

Concision et expressivité sont un binôme fondamental dans le travail du chef. La recherche d’un geste libre et clair au service d’une expressivité lisible et efficace sont au cœur de ce travail. Technique du geste, choix de répertoire, pédagogie et psychologie de la répétition, mise en voix et échauffement corporel parmi d’autres aspects seront traités. Une attention particulière sera donnée à l’approche croisée de l’enseignement de la direction avec les techniques d’écriture rythmique corporelle conçues par Lucas Ciavatta comme décrite par Eduardo Lopes dans la préface de la méthode «O Passo» (plus d’informations en français sur www.opasso.com.br).

Intervenant : Eduardo LOPES est instrumentiste, chef de chœur, chef d’orchestre et compositeur. Il partage son temps entre l’Europe et l’Amérique du Sud. Plusieurs fois récompensé par ses spectacles et enregistrements, il enseigne actuellement la direction d’ensembles instrumentaux au conservatoire de Rio de Janeiro et au PESMD Bordeaux-Aquitaine ainsi que la direction de chœur au CRR de Bordeaux.

Public : Enseignants musique de l’éducation nationale, enseignants en formation musicale, chant choral, intervenants en milieu scolaire et péri-scolaire
Dates/lieu : 15 et 16 mars 2018 à Poitiers
Date limite d’inscription : 30 janvier 2018
Coût pédagogique : 280 € Effectif : Entre 15 et 32 

Stage coréalisé avec l’Éducation nationale (DAFOP) et l’Institut Français d’Art Choral (IFAC) 

La flûte à bec augmentée Musique contemporaine/Musiques électroniques

La musique contemporaine possède ses codes, son vocabulaire et ses nouveaux outils liés à l’informatique. Sans la maîtrise de ces éléments, l’apprentissage d’une pièce contemporaine peut se révéler un parcours sinueux.
- comment interpréter la notation contemporaine ? L’analyse comparative de différentes pièces du répertoire permettra à chacun d’aborder, de comprendre et de saisir les subtilités de langages extrêmement diverses et parfois ambigus, mais indispensable à une interprétation responsable de ces musiques actuelles.
- comment utiliser les nouvelles technologies ? De l’élaboration matérielle à l’utilisation de logiciels, nous verrons comment il est possible pour le flûtiste peu initié à l’informatique musicale de se constituer un dispositif léger et fonctionnel. C’est par la mise en pratique que l’on découvrira le logiciel Ableton Live et différents modules d’effets qui permettent un traitement du son en direct.

Intervenants : Julien FELTRIN a été élève de Walter van Hauwe au Conservatorium van Amsterdam et obtient en 2003 le diplôme de soliste avec la mention Cum Laude. En 2003, il est nommé professeur de flûte à bec au Royal College of Music de Londres. Il est lauréat des concours internationaux Gaudeamus Amsterdam Competition, Penderecki Contemporary Music Competition de Cracovie et obtient également le prix du jury au Haverhill Sinfonia Competition.

Compositeur, interprète, pédagogue et chef de chœur, Dominique VASSEUR se situe à la croisée de la création, des musiques anciennes, des répertoires contemporains, de l’improvisation et de l’électroacoustique. Il enseigne la flûte à bec et la musique de chambre au CRR de Lille et à l’ESMD Nord de France où il est également en charge des séminaires de culture des répertoires ( http:// www.dominiquevasseur.com)

Public : Flûtiste à bec et professeur de flûte à bec
Date/lieu : 26 mars 2018 à Douai
Date limite d’inscription : 12 février 2018
Coût pédagogique : 140 € Effectif : Entre 7 et 20 

Formation proposée en partenariat avec l’association Erta-france et le CRR de Douai 

L’orchestre scolaire l’expérience portée par le conservatoire Tyndo

Après une première expérience d’orchestre à l’école initiée dès 2009, le conservatoire de la Communauté de communes du Thouarsais, propose depuis 2014 un orchestre d’école (vents et cuivres) au sein d’un groupe scolaire de la ville de Thouars, inscrite dans la politique de la ville et en réseau REP.

La première partie de cette journée proposera de découvrir le projet d’orchestre d’école tel qu’il s’est développé ici : un orchestre d’établissement et non pas de classe, organisé pendant le temps périscolaire, impliquant néanmoins fortement l’équipe enseignante, et reposant sur l’adhésion des familles

au dispositif. Le regard apporté par différents acteurs du projet permettra d’en mieux comprendre les contours et articulations. Après l’audition de l’orchestre, un deuxième temps permettra d’aborder l’aspect pédagogique du projet dans sa globalité : répertoires, calendriers, méthodes de travail, échanges avec les formations du conservatoire, implication des familles... Un temps d’échange clôturera cette journée.

Intervenants : François GOUTAL est directeur du pôle culture et du conservatoire de musiques et de danses du Thouarsais.
Virginie LANGLOIS est musicienne intervenante, titulaire du DUMI. Elle enseigne la formation musicale et l’éveil musical, intervient dans des écoles maternelles et élémentaires ainsi qu’auprès de la psychiatrie adulte pour le conservatoire de musiques et de danses du Thouarsais. Depuis plusieurs années elle codirige l’orchestre scolaire de l’école élémentaire Anatole France.

Rodolphe NICOLEAU enseigne la clarinette, la formation musicale et encadre différentes pratiques collectives au conservatoire de musiques et de danses du Thouarsais et de l’Agglo2B (Bocage Bressuirais). Depuis plusieurs années, il est membre du groupe La Rouzine (bal poitevin) et du groupe Guillannu (chants traditionnels du Poitou en polyphonies).

Public : Enseignants en formation musicale, chant choral, intervenants en milieu scolaire et périscolaire, responsables pédagogiques, directeurs (trices) de conservatoire ou/et école de musique
Date/lieu : 27 mars 2018 à Thouars
Date limite d’inscription : 13 février 2018
Coût pédagogique : 140 € Effectif : Entre 8 et 22 

Music-haïku Le haïku musical

Le haïku est l’un des genres poétiques privilégiés de la littérature japonaise classique. Cette forme poétique japonaise très concise permet de suggérer des sentiments, d’évoquer les paysages, le temps qui s’écoule... Après la découverte de cette expression poétique, l’inspiration d’une promenade citadine permettra à chacun de définir ses choix pour composer un haïku « dans le respect des règles de l’art ». L’écriture du textes s’effacera au profit de l’écriture musicale, les silences et les notes remplaceront les mots et les espaces : improvisation, jeu musical, couleurs sonores, expression... c’est par la création que nous inventerons des music-haïkus.

Par ce format à la fois contraint et libre, chacun apprendra à inventer des instants artistiques uniques qui deviendront des propositions musicales et pédagogiques.

Intervenants : Adepte des petits riens et de l’instant présent, attiré par les arts japonais tournant autour de la gestion du vide et de l’équilibre dans la dissymétrie (bonsaï, suiseki...) Jean-Claude NONNET arrive en 2001 à la pratique du haïku sous le pseudo de Bikko. Depuis 2008, ses textes paraissent régulièrement dans des revues spécialisées, des anthologies et des recueils collectifs ainsi que sur internet. Il anime le kukaï de Poitiers (groupe de partage d’écriture).

Musicien accompli, Julien PADOVANI est à la fois organiste, pianiste, accordéoniste et choriste. Ses dons d’improvisateur et sa capacité à s’inspirer de différents genres musicaux pour créer des sonorités uniques sont reconnus.

Public : Musiciens et enseignants en musique
Dates/lieu : 14 et 15 mai 2018 à Poitiers
Date limite d’inscription : 2 avril 2018
Cout pédagogique : 280 € Effectif : Entre 8 et 12 

Interprétation de la Musique Renaissance : la solmisation

Connu depuis longtemps par les musicologues comme concept purement théorique de la musique médiévale et Renaissance, des recherches récentes ont révélé que, d’après plusieurs traités du XIIIième au XVIième siècle, la solmisation eut clairement un impact important sur l’interprétation, voire même sur l’expression musicale tout court. L’approche théorique puis mise en pratique permettront tout d’abord d’apprendre à solmiser aisément. Cette approche de l’interprétation se poursuivra par la solmisation de plusieurs oeuvres à 2, 3, 4, 5 et 6 voix, aboutissant ainsi à une interprétation de ces oeuvres dans toute leur puissance expressive nouvelle.

Intervenant : Peter VAN HEYGHEN est flûtiste à bec, chef d’orchestre et chercheur en musicologie. Membre de plusieurs ensembles vocaux et instrumentaux spécialisés en musique renaissance et baroque, il dirige le département de musique ancienne au Koninklijk Conservatorium Brussel et enseigne l’interprétation historique aux conservatoires de la Haye et Amsterdam.

Public : Enseignants en musique et musiciens
Dates/lieu : 21 et 22 juin 2018 à Poitiers
Date limite d’inscription : 11 mai 2018
Coût pédagogique : 280 € Effectif : Entre 8 et 14 

Accompagner l'enseignement artistique et la création en région

Riche de son expérience de concepteur d’offre de formations à destination des danseurs et des musiciens, le CESMD propose de mettre son expertise au service des projets des structures d’enseignement artistique.
Le CESMD propose une structuration et une mise en œuvre des formations à moyen et à long terme pour accompagner les équipes pédagogiques dans une dynamique collective.

Projets transdisciplinaires nécessitant une meilleure connaissance des esthétiques des partenaires, questionnements sur les pédagogies innovantes pour renouveler ses approches ... telles sont les propositions possibles pour répondre aux évolutions des structures et de leurs équipes.

Contact :
Caroline BORDAT, responsable formation continue danse 05 49 39 00 33
Didier BIVEN, responsable formation continue musique 05 49 39 00 60 

Organiser des spectacles avec des amateurs, ce qu'il faut savoir

Si bien des professionnels ont commencé par être des praticiens en amateur, il est toujours surprenant de constater à quel point notre droit prévoit une logique distincte entre ces deux univers. À travers cette rencontre, il s’agira d’engager un dialogue entre les pratiques constatées et la vision de la conformité juridique des activités... La loi sur la liberté de la création, à l’architecture et au patrimoine comporte en particulier un article spécifique sur la question.

Intervenants : Jean-Louis PATHEIRON, directeur de Premier’Acte Conseil, auteur du guide L’employeur Culturel (ED. AGEC/JURIS) et co-auteur du dossier expert Les Festivals du spectacle vivant (Ed. Le Territorial) et Sylvie SAUSSÉ, co-directrice du CESMD de Poitou-Charentes.

Public : Enseignants artistiques intervenant au sein d’associations
Entrée libre sur inscriptions : Premier’Acte 1acte@1acte.fr - 05 49 88 07 20 Contact : Nathalie Bonnet
Date/lieu : 5 décembre 2017 à Limoges de 9h45 à 12h45 
 

Elaborée par Premier’Acte, cette matinée est proposée dans le cadre d’un partenariat de Premier’Acte, du CESMD de Poitou-Charentes et du CRR de Limoges. 

Le corps instrument

La pneumaphonie (méthode Wilfart) sera le medium utilisé pour réaliser l’impact des tensions sur le corps et la respiration : amener le corps à éprouver de nouvelles sensations, prendre conscience des différentes tensions ou blocages dans le corps pour donner à chacun de nouveaux outils et élargir sa palette de choix dans le geste musical ou chorégraphique.

Le souffle, la voix et le mouvement seront les éléments clés des différentes séquences traversées : les appuis, la relation aux autres, à l’instrument, l’espace du geste instrumental ou chorégraphique seront explorés. Des temps de recherche, d’échange et d’observation seront proposés afin de permettre à chacun d’intégrer ce travail dans sa pédagogie.

Intervenante : Valérie VINCENT est titulaire du CA en danse classique, diplômée de la méthode Wilfart (souffle/voix). Elle enseigne au CRD de Roubaix et anime des ateliers pour instrumentistes et comédiens. Sa pédagogie est axée sur l’intimité du rapport respiration-voix-mouvement et sur la conscience du corps-instrument.

Public : Danseurs professionnels, enseignants en danse, musiciens et enseignants en musique
Dates/lieu : 28 - 29 janvier et 18 - 19 mars 2018 à Poitiers
Date limite d’inscription : 16 décembre 2017
Coût pédagogique : 560 € Effectif : Entre 6 et 12

Les traits d’union musique et danse

Souhaitant toujours mettre en évidence les liens incontournables entre la musique et la danse, la formation, qui fait suite à celle proposée l’année dernière s’articulera autour de l’organisation possible d’une année, d’une succession de séances et d’une séance particulière ainsi que des remédiations possibles en cours de processus d’apprentissage, de la notion de rituels, des notions d’anacrouse et de pré-mouvement, de début et de fin, d’avant-début et d’après-fin..., de la pratique de gestes instrumentaux comme moteur à l’investissement corporel dans la danse, la danse comme moteur à l’apprentissage de gestes instrumentaux, du rôle du chant pour l’enseignant en musique et qu’en faire du point de vue de l’enseignant en danse... La formation s’organisera sous forme d’ateliers permettant à chacun d’explorer chaque axe de travail. Des mises en situation pratique ponctueront chaque journée permettant de mettre en place des phases d’observation-analyse, enrichissant chaque stagiaire dans son domaine artistique.

Intervenants : Hélène POUZET est artiste chorégraphique et enseignante en danse contemporaine au CRR de Poitiers. Elle a enseigné dans diverses structures associatives et s’interroge sur la transmission et l’interrelation des disciplines artistiques. En tant que chorégraphe et interprète, elle participe à des projets pluridisciplinaires en collaboration avec des musiciens, vidéastes, comédiens et circassiens.

Compositeur et improvisateur, Nicolas BRASART est musicien-intervenant (formé au CFMI de Poitiers) dans des écoles primaires pour le CRR de Poitiers (dont deux ateliers Musidanseurs avec une enseignante en danse jazz). Il accompagne des cours de danse et accueille les enfants de 6/7 ans dans un cours commun avec une enseignante en danse contemporaine.

Public : Enseignants en musique et/ou danse qui souhaitent mettre en place un enseignement musique et danse en binôme
Dates/lieu : 19 - 20 janvier et 9 - 10 mars 2018 à Poitiers
Date limite d’inscription : 8 décembre 2017
Coût pédagogique : 560 € Effectif : Entre 8 et 16 

La réalisation d'un teaser

L’objectif de cette formation est de donner aux stagiaires les compétences pour être autonome dans la réalisation d’un teaser. Véritable outil, il est nécessaire que le teaser aille à l’essentiel, ni trop long ni trop court pour exprimer l’univers du travail et de susciter l’envie d’en voir plus. Le stage se propose d’apporter des connaissances techniques mais aussi esthétiques pour être à même de faire des choix judicieux sur la sélection des plans et le montage.

Les stagiaires sont conviés d’apporter dans la mesure du possible les réalisations et captations déjà réalisées pour qu’une analyse en soit faite. Ils sont invités à venir travailler avec leur propre matériel pour apprendre à optimiser les outils en leur possession (notions techniques, format, cadrage...). Ennsuite, il sera question de la découverte des règles du montage et une présentation du logiciel « Adobe Premiere Pro CC ». Musiciens et danseurs partageront ces deux premiers temps pour acquérir les connaissances de base. Puis les danseurs filmeront une pièce courte d’une compagnie de danse par groupe de 2 à plusieurs reprises en conditions techniques lumière et son. De leur côté, les musiciens filmeront plusieurs temps d’une représentation d’un concert en conditions techniques réelles plusieurs fois par groupe de 2 ou 3.

Faire l’expérience des contraintes techniques du spectacle vivant permettra aux stagiaires d’aborder toutes les problématiques techniques liées à son enregistrement. Ces captations vidéo en multi- caméra seront les bases de la dernière phase de travail : le montage des différents teasers par groupe.

Après la conception des différents projets, un débriefing technique et esthétique clôturera la formation, donnant à chacun des outils complémentaires sur les choix à opérer lors du tournage et la construction d’un montage efficace.

Intervenants : Tristan GUERLOTTÉ et Gildas NIVET ont fondé en 2012 « Grenouilles Productions ». À la fois société de réalisations de prestations audiovisuelles et société de productions TV et cinéma « Grenouilles Productions » propose également des formations et des ateliers pédagogiques depuis 2009. Ils ont réalisé en 2012, le film documentaire « El Gran Dragon » sorti au cinéma en 2014 avec le label « Art et Essais ». Le court-métrage « Total Animal 3 » a été primé dans une vingtaine de pays. Leurs projets de productions traitent des sujets de sociétés et problématiques environnementales.

Public : Danseurs, enseignants en danse, musiciens et enseignants en musique
Dates/lieu : 5, 6 et 7 avril 2018 à Poitiers
Date limite d’inscription : 21 février 2018
Coût pédagogique : 420 € Effectif : Entre 7 et 10 par option 

Le ryhtme dansé, la danse rythmée

Le rythme est partout, tout le monde en fait l’expérience, à commencer par le battement du cœur, métronome interne à la disposition de tous. En partant du principe que si l’on peut marcher, on peut danser et que deux mains qui claquent ou un pied qui frappe le sol ont toujours comme point de départ un mouvement. L’objectif premier est d’emmener les musiciens et les danseurs vers la compréhension et l’expression du rythme non pas par un discours théorique mais à travers l’expérience, à la fois de la danse et de la musique, vers un univers qui allie rythme, mouvement et musicalité. Plusieurs offres de stage sont proposées représentant la pluralité de ces rythmes dansés et danse rythmée :

Danse percussive et création

Ce stage explorera différentes pistes de la composition du rythme en mouvement. Au-delà de l’apprentissage de matière, il sera question d’analyser la façon dont on peut mettre la danse percussive au service d’un propos, comment la faire sienne dans un travail chorégraphique ou de création. Exercices travaillés collectivement et propositions personnelles s’alterneront pendant ces 2 journées.

Public : Danseurs professionnels et enseignants en danse
Dates/lieu : 11 et 12 décembre 2017 à Poitiers
Date limite d’inscription : 280 €
Coût pédagogique : 27 octobre 2017 Effectif : Entre 8 et 12

La percussion sur objet

Forte de 10 années de tournée avec la compagnie STOMP, Leela PETRONIO proposera un travail de percussion sur objets en mouvement, basé sur le détournement d’objets du quotidien. L’objectif sera de dépasser l’aspect purement percussif afin de mettre le rythme et les objets en mouvement. En atelier, des ballons de basket, des boîtes d’allumettes, des mailloches, des bidons, des sacs plastiques, des manches à balais... seront utilisés comme objets sonores et percussifs.

Public : Danseurs professionnels, enseignants en danse, musiciens et enseignants en musique
Dates/lieu : 22 et 23 janvier 2018 à Poitiers
Date limite d’inscription : 11 décembre 2017
Coût pédagogique : 280 € Effectif : Entre 10 et 15 
 

Danses rythmiques : percussion corporelle et TAP dance

Basée sur l’idée que le corps est un instrument de percussion, la percussion corporelle exploite la richesse rythmique et percussive du corps, des mains à la voix en passant par les pieds. Souvent l’utilisation des pieds est limitée à ne se servir que du pied entier pour frapper un rythme au sol. La palette de sonorités qu’offre le TAP dance peut venir compléter celle déjà riche des percussions corporelles. Les claquettes (TAP dance) font partie de la tradition de la culture jazz - une forme d’expression intimement liée à la fois à la danse et à la musique. Elles se renouvellent constamment au contact des nouveaux styles musicaux et à la rencontre d’autres formes d’expression artistique. Pendant le stage, elles seront abordées comme un instrument de percussion et une danse à part entière proposant un travail essentiel sur le poids du corps et son transfert, sur le swing et le relâché.

Entre danse et musique, les ateliers proposeront un échauffement corporel, des exercices de technique, des exercices ludiques de coordination corporelle, des gammes de solfège rythmique jouées sur le corps, un travail sur les appuis, le poids du corps, le relâché, le swing, les nuances sonores, la qualité des frappes de mains ou pieds. Les ateliers incluront des jeux de vocalises, de question/réponse, d’apprentissage de polyrythmies et d’exercices d’improvisation. Un temps sera également dédié au visionnage d’images d’archives et aux échanges d’expériences.

Intervenante : Enfant de la balle, LeeLa PETRONIO est une danseuse reconnue internationalement pour avoir développé une approche originale des claquettes en les fusionnant avec les percussions corporelles et la danse
hip hop. De 1996 à 2001, elle collabore avec la compagnie de danse hip hop Funk Attitude. En 2001, elle rejoint l’équipe du spectacle STOMP durant 11 mois à La Cigale à Paris, puis en tournée jusqu’en 2006. Seule française dans l’équipe, elle continue à se produire par intermittence avec eux, notamment au Casino de Paris en 2008 et 2010, sur la tournée européenne et pour la clôture des J.O. de Londres en 2012. Elle dirige la compagnie Hip Tap Project, collectif pluridisciplinaire de danseurs et musiciens dont l’univers fusionne en un langage commun : tap dance/claquettes, danse hip hop, percussions corporelles, percussion sur objets et musique live. Renommée et appréciée pour sa pédagogie, elle enseigne les claquettes, les percussions corporelles et la percussion sur objets lors de nombreux stages en Europe, aux USA, en Turquie au Brésil...

Initiation

Public : Danseurs professionnels, enseignants en danse, musiciens et enseignants en musique
Dates/lieu : 12, 13 et 14 novembre 2017 à Poitiers
Date limite d’inscription : 2 octobre 2017
Coût pédagogique : 420 € Effectif : Entre 10 et 15

Approfondissement

Public : Danseurs professionnels, enseignants en danse, musiciens et enseignants en musique ayant suivi le niveau initiation avec facilité
Dates/lieu : 4, 5 et 6 mars 2018 à Poitiers
Date limite d’inscription : 19 janvier 2018
Coût pédagogique : 420 € Effectif : Entre 10 et 15 

Le Rythme Signé

Le Rythme Signé est un langage gestuel qui permet de créer une musique rythmée et dansante de manière instantanée et donc improvisée.
Avec un répertoire restreint de signes, le chef d’orchestre ou directeur peut influer sur tous les aspects de la musique : le timbre, la texture, les harmonies mais aussi la dynamique et les formes d’improvisation. Le principe est simple : le chef d’orchestre va transmettre aux stagiaires des consignes de jeu à l’aide de signes bien spécifiques. Rien n’est défini à l’avance, c’est le directeur, avec le concours de son équipe, qui va donner corps à la musique, en temps réel.

Les stagiaires pourront acquérir progressivement les gestes du langage et leurs applications lors d’exercices de jeu en groupe ainsi que s’essayer à la direction d’ensemble. Le but est de s’approprier le Rythme Signé en avançant par étapes successives pour arriver à en faire un outil commun d’expression artistique et de création.

Après une introduction historique du Rythme Signé, les stagiaires feront l’expérience des signes de base (composition, direction et intervention sur les composantes musicales) sur des instruments percussifs. Il ne s’agira pas d’emmagasiner des connaissances théoriques mais ce sera un véritable atelier expérientiel qui sera proposé. Le rôle du directeur sera également explicité en termes de posture et de signes de direction. Le développement de l’analyse rythmique en temps réel (stratégie d’ensemble, outils d’analyse, différents modèles de découpage d’une musique) permettra aux stagiaires de composer en temps réel.

Intervenant : Augustin DE BELLEFROID est musicien, compositeur, directeur d’ensemble et directeur artistique belge spécialisé dans la création musicale en temps réel. En mai 2012, il se rend à Buenos Aires pour rencontrer l’inventeur du Rythme Signé, Santiago Vazquez, auprès duquel il va se former. Complètement conquis par ce langage, il monte alors une formation de 14 percussionnistes : SYSMO. Depuis 2012, ce groupe a constitué autour de lui une véritable communauté et donne à l’année des cours de percussion avec le Rythme Signé ; faisant de SYSMO la référence européenne sur le Rythme Signé.

Initiation

Public : Danseurs, enseignants en danse, musiciens et enseignants en musique
Dates/lieu : 25 et 26 janvier 2018
Date limite d’inscription : 14 décembre 2017 à Poitiers
Coût pédagogique : 280 € Effectif : Entre 8 et 15

Approfondissement

Public : Danseurs, enseignants en danse, musiciens et enseignants en musique ayant suivi le niveau initiation avec facilité
Dates/lieu : 22 et 23 mars 2018 à Poitiers
Date limite d’inscription : 8 février 2018 
Coût pédagogique : 208 euros Effectif : Entre 8 et 15
Cette formation  est proposée en partenariat avec Orange Platine et les Ateliers Sysmo.
 

Céquoi un dys ? Enseigner la musique et la danse à des personnes avec un trouble des apprentissages (Dys)

Le handicap interroge l’enseignement dans ses fondements : posture professionnelle, objectifs, protocole d’inclusion, pédagogie et didactique (activités, démarches, supports, évaluation).
La différence peut favoriser la créativité en musique et en danse et le handicap est l’occasion d’identifier des difficultés et d’expérimenter des pratiques pédagogiques. La formation permettra : - de comprendre le fonctionnement du système cognitif et d’identifier les procédures qui peuvent être altérées dans un continuum du normal au pathologique
- d’entrer dans une démarche d’adaptation et de contournement des difficultés en repérant ses bonnes pratiques et en s’inspirant d’autres,
- d’organiser une séance individuelle et des pratiques collectives selon les troubles.

Intervenants : Titulaire d’un DE de harpe et du certificat complémentaire pour l’adaptation scolaire et la scolarisation des élèves handicapés (2CASH), Sonia DUVAL enseigne au conservatoire et à l’éducation nationale. Formatrice régulière auprès d’enseignants (conservatoire, rectorat, INSHEA), elle est également l’auteur de plusieurs publications consacrées au handicap. Alain POUHET est docteur en médecine, titulaire du certificat d’études spéciales en médecine physique et réadaptation (MPR). Il est actuellement formateur d’adultes en neuropsychologie infantile.

Public : Enseignants musique et danse (uniquement les deux premières journées pour la danse)
Dates/lieu : 26,27 et 28 avril à Poitiers
Date limite d’inscription : 12 mars 2018
Coût pédagogique : 420 € (musiciens) ; 280 € (danseurs) Effectif : Entre 8 et 20 
 

La danse comme outil d'apprentissage instrumental et orchestral : l'exemple du projet Démos

Depuis 2010, le projet Démos permet à plusieurs milliers d’enfants débutants de suivre un apprentissage instrumental collectif pendant 3 ans. Aujourd’hui, la danse s’y est imposée comme une étape pédagogique essentielle : l’approche corporelle est un préalable à l’apprentissage instrumental et joue un rôle incontournable dans le parcours orchestral des enfants. À travers l’expérience d’intervenantes du dispositif et l’observation d’une répétition, vous aborderez les interactions danse-musique mises en jeu dans cette pédagogie : conscience du corps, dynamique de groupe, créativité, mémorisation, acquisition de la pulsation, autant de notions permettant d’entrer au plus vite et au mieux dans le plaisir de la musique.

Intervenantes : Après avoir étudié la flûte traversière à Toulouse et à l’École Normale de Musique de Paris, Lucie DE BAYSER mène une carrière de musicienne et d’enseignante. Titulaire du DE, elle est intervenante dans divers projets éducatifs de la Philharmonie de Paris, en particulier le projet Démos dont elle est une des référentes pédagogiques.

Danseuse, pédagogue et chorégraphe, Irénée BLIN intervient dans des contextes le plus souvent pluridisciplinaires. En parallèle de sa formation en danse classique et contemporaine, elle a également étudié le violon, le piano, la danse baroque et le chant lyrique. Elle est diplômée en cinétographie Laban (CNSMD de Paris) et en AFCMD (CESMD de Poitou-Charentes).

Public : Enseignants en musique et/ou en danse
Dates/lieu : 23 et 24 octobre 2017 à Châtellerault
Date limite d’inscription : 2 octobre 2017
Coût pédagogique : 280 € Effectif : Entre 8 et 20 
 

Formation proposée en partenariat avec la Philharmonie de Paris et l’Orchestre de Chambre Nouvelle-Aquitaine.